後藤了子の作品は、個人的な記憶と静かな観察から生まれます。
幼い頃の彼女は自分が選ぶ前に、他人が差し出したものをそのまま受け入れることがよくありました。その傾向は大人になってからも続き、時に自分の好みや感覚と繋がるのは難しく感じられることもありました。

その後ニューヨークへと拠点を移したことで、それは少しずつ薄れていきました。そこでは「あなたはどう思う？」と尋ねられる場面が多く、その問いをきっかけに内面に耳を傾けるようになり、自分の感受性とより深くつながり始めました。

これと並行した体験として、ニューヨークへ移住する随分前の18歳の時、彼女は日本でジャクソン・ポロックの作品に出会いました。この体験は長く心に残り、言葉にならない感情を、説明せずに受け止める手段として、抽象表現に自然と惹かれていくきっかけとなりました。

現在、彼女の作品は、自分の中で静かに共鳴しているものを、視覚的なカタチへと翻訳することに焦点を当てています。
彼女の作品は、個人的な経験から始まりながらも、より広く、普遍的なテーマへと開かれています。
彼女はこのアプローチを「直感的抽象（Intuitive Abstraction）」と呼んでいます。
それは、言葉による説明ではなく、感覚と直感によって静かに響くものを表現する方法であり、自身の内側と世界とのつながりを、非言語的にかたちにしていく試みです。
すべてのものにはレイヤーがあると信じている彼女は、重さを含むテーマであっても、やわらかく扱い、異なる視点を提示します。
目に見えるものだけでなく、それに付随する感情や感覚、空気感にも意識を向けています。
ニューヨークでの制作を通じて、後藤は抽象表現との対話をより深めてきました。
同時に、自分が「日本人であること」も意識するようになりました。
それは固定されたアイデンティティではなく、空間・かたち・時間に対する感覚に静かに影響を与えるものとして、彼女の中に存在しています。
2020年、彼女は日本の禅庭について学び、深い共鳴のようなものを感じました。
禅とは、言葉で簡単に説明できるものではないと彼女は感じています。しかし同時に「ただそこにあること」「あるがままを示すこと」ということが禅のベースにあるのではないかと推察しています。
そういったことが自分が求める絵画の世界観にもあるのではないかと彼女は感じています。
ニューヨークに移住する前、長年にわたり彼女は父の仕事に関連したお寺で年に一度の法要を手伝ってきました。
そこはいつも彼女にとって特別に心地よい場所でしたが、当時はその理由について深く考えることはありませんでした。ずっと後になって、その寺が禅系である曹洞宗に属していることを知り、その居心地の良さのベースにあるであろう禅を知りたいと思うようになりました。

彼女は、テーマごとに直感的に素材と技法を選びます。
彼女の表現スタイルは一つに定まっておらず、主題に応じて自然に変化します。
それぞれの作品は、扱うテーマによって自然と形作られていきます。素材は、墨、紙、金箔、油絵具など、あらゆるもの中から選択されます。彼女にとって、画材は意図通りに操作するための道具ではありません。素材が物理的に反応し合うことで生まれる偶然性や変化を受け入れながら、即興的に作品を仕上げていきます。

そのため、彼女の中で、画材は道具ではなく“共に作品を作っていく存在”という位置づけになります。

後藤にとって、抽象表現は答えを与えるものではありません。
決まった解釈を避け、開かれたままの空間と個人的な受け取り方を大切にしています。
彼女にとってアートとは、「そこに足を踏み入れた人が、そのままの自分でいられる空間」です。
「芸術とは、高尚な遊び」
これは彼女が予備校に通っていた頃、恩師が語った言葉です。
当時の彼女は、それをなんとなく理解したつもりになっていました。
でも今は、それが時の流れと経験によってゆっくりと変化し、深まり続けていることを感じています。